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I N T E R V I E W

Interview with LARA NICKEL

Questions by THE PRODUCT DIVISION

for Uncompromising Tang - (Contemporary Arts Criticism for Artists by Artists)

E N G L I S H

F R A N C A I S

 

LN: First, I think it is important to explain that I paint life-size oil paintings of an entire plant, animal or object on stretched canvas. They are all realistic, have white backgrounds, and are displayed much the way the subject of the painting would be in reality (standing on the ground, up high, behind something, etc.).

 

As a result of these tactics, the subject of the painting is pushed forward into the room, making the room itself the setting of the painting and making the painted image of the subject appear as if it is actually in the room with the viewer. This makes the painting object-like. This idea of painting-as-object is in some ways similar to works by Ellsworth Kelly, Frank Stella, or Jo Baer. However, I am interested in how a painting can act like an object yet still have a representational subject matter.

tPD: Why are you drawn to the natural world (plants, animals) to explore painting-as-object?

 

LN: Painting-as-object is a complicated and layered idea and I do not want to distract from that idea by using a too loaded subject (such as anything that has to do with humans: politics, race, gender, religion, emotions).

 

I often paint plants and animals because they are more anonymous and, therefore, more versatile and playful than other subjects. This is not to say that we do not have certain connotations about plants and animals - some are exotic, endangered, ugly, domestic, or majestic; some have their own history within an art context. However these things either add to or are flexible enough to allow room for my other interests in art which revolve around how to make painting behave more like an object. 

An example is my recent series of Plant paintings. As plants are naturally very sculptural I decided to emphasize that quality by displaying the paintings in a more three Dimensional way - jutting out from the wall, obliterating a corner, one painting too close to another - the way plants behave in real outdoor/indoor spaces. 

 

Or,  Zebra + Straw which involves three separate paintings: the zebra is hung on the floor, flat against the wall, with two paintings of straw displayed flat on the ground in front of the zebra's face. The three paintings interact with each other on various viewing surfaces and viewing angles. The way these paintings are displayed affects where and what the actual focal point of a “traditional” painting is (“traditional” meaning stretched canvas, rather than murals/cutouts). 

tPD: Are the subjects in your paintings always to-scale?

 

LN: Yes, my paintings and drawings are always to-scale and anatomically correct. I am very careful about measuring and researching my subject before I start painting it. This is an important aspect to my work as I am working between the traditions of illusionistic painting and painting-as-object. The fact that my paintings are realistic and life-size enhances the idea of illusion (pictorial space) and at the same time enhances the idea that this is a real thing which exists in real space and time (physical space).

 

 

tPD: Do you consider yourself first and foremost a painter?

 

LN: I consider myself a painter, though I would use the phrase "installation-based painter". Half of the meaning of my paintings comes from the way they are installed and interact with a space. Without this installation side to my work my paintings would be boring - they would become simply portraits of animals and plants. I do not consider myself an installation artist however, as I am working to change the way people interact specifically with painting. I want people to bend over a painting, to search for it, to look around a space, to perhaps not find a painting but to know it is there somewhere. Even if it is subtle, I want my paintings to activate the spaces they are in - to make the walls and floor and ceiling play an active role in the viewer's experience. I am trying to keep painting from becoming simply decoration and the wall simply a place to decorate. 

tPD: Why did you choose painting as a medium vs. photography or sculpture?

 

LN: I am not drawn to the process of painting. Painting is slow and tedious and I am just like anybody else - I want instant gratification. But the more I learned about Art History and Art Theory the more I wanted to be a painter. Painting has a lengthy and established history, full of expectations about how and where and what a painting should display. Rather than contradict these inherited rules, I am interested in the ways in which I can play with these rules and highlight the aspects of painting which are largely overlooked and yet have existed for hundreds of years. 

 

So why am I trying to make painting object-like, why don't I just make a sculpture? 

A painting can be both an object and a window into another world; a sculpture can only be an object. When painting addresses the fact that it is three dimensional - when it addresses its own materiality - it has the ability to exist in our world while existing in its own. This is a powerful and awkward quality which I still do not fully understand. Painting has so much unexplored potential and that alone makes the tediousness of creating it worth it!

tPD: As a culture of materialism we seem to be obsessed with representation and authenticity, would you agree?

 

LN: We are obsessed with creating art, whatever form/style it may be, to represent our ideas and emotions. One of the reasons we even make art is in an attempt to make our abstract ideas and emotions into something tangible - to try to make a way for ourselves to be conceptually and physically closer to them. In this sense all art is representational and is very important to us as a culture. 

 

I think we are obsessed with wanting things to be authentic and believing something is authentic when it may not be. We are trying to make things more interesting than they actually are, especially in the art world. Most "true" and "original" ideas take a lot of time to find and then take a lot of time to develop and refine - and then it takes a lot of time to articulate this authentic idea in an authentic and relevant way. Most of us are not willing to wait, to do the work, to spend the time, we are lazy and ultimately afraid to fail. But the real interesting artists have taken their whole lifetime building and rebuilding off of just a couple core, authentic ideas. "Rome wasn't build in a day". 

 

As far as my own art is concerned, I hope I am allowed the time to build something authentic and which represents my ideas accurately. I hope I can build a place for myself in the history of art - something that will survive history. I hope I can look back on what I've made and say, "I built that pyramid", "that is my Rome" - and I hope that feeling will beat any kind of feeling of instant gratification. I hope I won't be afraid to work like a dog for this.

 

 

tPD: Have you faced any challenges in presenting the work in the unconventional way you’d like to? Does painting still carry a lot of traditional expectations?

 

LN: There have been several artists in the last 150 years who have offered powerful alternatives to the way we understand and interact with painting, but these artists were/are breaking away from the tradition, not trying to destroy it. Briefly, this tradition is that painting should be hung flat on the wall at eye-level, be well lit, framed, act as a window into another world or have some sort of transcendent/transportive quality, and should be preserved because it is precious. Yes, these expectations are alive and well and live in a fortress!

 

Many people like my paintings on a basic level - they are seduced by their realism, by their accuracy. They may not understand immediately why I insist on presenting them in an unconventional way (flat on the ground, partially or completely hidden, perpendicular to a wall), and therefore they resist that mode of display. If something is well made why would I want to complicate the way you view it? Isn't the point of visual art to see it and to see it clearly? Many people want my work to be decorative, they want my work to be hung over a couch, to be lifted up off the ground, to be framed, to be better protected from the daily things in life (such as sweeping, children, and pets). But my work is not decorative, it may be beautiful, but it is not decorative - and that is where people get confused. 

I am making painting which references how we have interacted with art throughout history, and that is largely through the setting of the museum. The museum has taught us how to look at art, how to display, preserve and explain art. This is the historical "home" of art and it is this type of setting where my painting works at its best (as this is where the tradition of painting thrives and that is what my painting references). The gallery is a misleading place, its facade is the image of a museum (a clean, neutral space), but ultimately the point is to sell the work and the buyer will take the work home (which is often not a a clean and neutral space). This makes my work difficult from a sales point of view but I'm not willing to compromise my concepts. You have to take responsibility for your work, for what you put out into the world, and that means following through with an idea even if you are met with doubt and resistance from others.

 

LN: Tout d'abord, je pense qu'il est important d'expliquer que je fais de la peinture à l'huile sur toile, mes sujets sont grandeur nature, animal, plante ou objet. Mes peintures sont réalistes, ont un fond blanc et elles sont disposées de la même manière que le sujet de la peinture serait en réalité (au sol, en hauteur, derrière quelque chose, etc...)

Conséquemment, le sujet de la peinture est poussé en avant dans l'espace, faisant de la pièce elle-même le cadre de la peinture. En poussant l'image peinte du sujet dans l'espace de la pièce, le sujet parait être directement dans l'espace physique de l'observateur. La peinture devient alors objet. L'idée de peinture comme objet est semblable d'une certaine manière aux oeuvres de Ellsworth Kelly, Frank Stella ou Jo Baer. Cependant, je suis intéressée par la facon dont une peinture peut se comporter comme un objet tout ayant pour thème un sujet représentationnel.

 

 

tPD: Pourquoi êtes-vous attirée par la nature (plantes, animaux) pour explorer le thème de la peinture comme objet?

LN: La peinture comme objet est une idée compliquée et chargée, je ne veux pas dévier de cette idée en choisissant un sujet trop lourd (comme tout ce qui peut avoir trait aux humains: politique, race, genre, religion, émotions).

Je peins souvent des plantes et des animaux parce qu'ils sont plus anonymes et donc plus versatiles, plus espiègles que d'autres sujets. Bien sûr, il y a certaines connotations entourant plantes et animaux- certains sont exotiques, en voie de disparition, laids, domestiques ou majestiques; certains ont leur propre histoire dans un contexte artistique. Cependant ces particularités s'ajoutent ou sont asssez flexibles pour laisser place à mes autres intérêts dans l'art, gravitants autour de cette idée: comment faire en sorte que la peinture se comporte comme un objet.

Un exemple est ma récente série de peintures de plantes. Comme les plantes sont naturellement très scupturales, j'ai décidé de mettre l'accent sur cette qualité en présentant ces peintures d'une manière plus tri-dimmensionnelle – pas complètement collées au mur, couvrant diagonalement le coin d'une pièce, trop proches l'une de l'autre- à la maniere dont les plantes se comportent réellement dans des espaces extérieurs/intérieurs.

Un autre exemple est Zebra + Straw (Zèbre + Paille), oeuvre qui réunit trois différentes peintures: la peinture d'un zèbre accrochée au mur verticalement, le bas du cadre reposant au sol et deux peintures représentant de la paille, disposées horizontalement au sol, devant le museau du zèbre. Les trois peintures interagissent entre elles à travers leurs différentes surfaces et leurs différents points de vue. La façon dont ces peintures sont disposées déplace et change le point focal de la peinture traditionnelle (“peinture traditionnelle”: toile étirée sur un cadre, à la différence d'une fresque).

 

tPD: Est-ce que les sujets de vos peintures sont toujours grandeur nature?

LN: Oui, mes peintures et mes dessins sont toujours grandeur nature et anatomiquement corrects. Je fais très attention, je mesure et recherche mon sujet avant de commencer à le peindre. C'est un aspect important de mon labeur car je travaille entre les traditions de la peinture illusionniste et de la peinture comme objet. Le fait que mes peintures soient réalistes et grandeur nature met en avant l'idée d'illusion (espace pictural) et de même met en avant l'idée que le sujet est réel, existant dans un espace et un temps réel (espace physique).

 

tPD: Vous considérez-vous tout d'abord et principalement une peintre?

LN: Je me considère comme une peintre, bien que j'utiliserais plutôt l'expression “peintre basée sur l'installation”. La signification de mes peintures vient pour moitié de la manière dont elles sont installées et interagissent avec un espace. Sans ce côté “installation” de mon travail, mes peintures seraient ennuyeuses – elles deviendraient simplement des portraits d'animaux et de plantes. Je ne me considère cependant pas comme une artiste faisant uniquement des installations, j'essaie de changer la façon dont le public interagit avec la peinture. Je veux que les gens se penchent au-dessus d'une peinture, qu'ils la cherchent, qu'ils regardent tout autour d'une pièce, qu'ils -peut-être - ne la trouve pas mais qu'ils sachent qu'elle est là, quelque part. Meme si c'est subtil, je veux que mes peintures animent leurs espaces, leurs pièces – qu'elles donnent aux murs, sols et plafonds un rôle actif dans l'expérience de l'observateur. J'essaie d'empêcher la peinture de devenir simplement une décoration et les murs simplement un endroit à décorer.

 

tPD: Pourquoi avez-vous choisi la peinture comme moyen d'expression, plutôt que la photographie ou la sculpture?

LN: Je ne suis pas attirée par le processus de la peinture. Peindre est lent et fastidieux et je suis comme tout le monde- je veux être gratifiée instantanément. Mais au plus j'ai pu apprendre sur l'histoire et la théorie de l'art, au plus j'ai voulu devenir une peintre. La peinture a une histoire longue et établie, pleine d'attentes sur comment et où et qu'est-ce qu'une peinture doit être. Plutôt que de contredire ces règles héritées, je suis intéressée par les manières de jouer avec ces règles et je veux relever des aspects de la peinture qui sont largement négligés, bien qu'ayants existé depuis des centaines d'années.

Alors pourquoi est-ce que j'essaye de faire de la peinture un objet... pourquoi ne ferais-je pas simplement de la sculpture?
Une peinture peut être à la fois un objet et une fenêtre dans un autre monde; une sculpture ne peut être qu'un objet. Quand la peinture expose le fait qu'elle soit tri-dimensionnelle – quand elle expose sa propre matérialité- elle a la capacité d'exister dans notre monde tout en existant dans le sien. C'est une idée puissante et troublante que je ne comprends encore pas vraiment. La peinture a tellement de potentiel inexploré que son côté fastidieux en vaut totalement la peine!

 

tPD: En tant que culture du matérialisme, nous semblons être obsédés par la représentation et l'authenticité, êtes-vous d'accord?

LN: Nous sommes obsédés par le fait de créer de l'art, peu importe la forme, le style, afin de représenter nos idées et émotions. Une des raisons pour laquelle nous faisons de l'art est de rendre tangibles nos émotions et nos idées abstraites – pour essayer de nous rapprocher d'elles conceptuellement et physiquement. Partant de ce constat, tout art est représentationnel et nous est très important en tant que culture.

Je pense que nous sommes obsédés par notre envie que les choses soient authentiques, jusqu'à croire qu'une chose est authentique alors qu'elle ne l'est peut-être pas. Nous essayons de rendre certaines choses plus intéressantes qu'elles ne le sont vraiment, spécialement dans le monde de l'art. La plupart des “vraies idées” et des “idées originales” prennent beaucoup de temps à trouver et encore beaucoup de temps à développer et raffiner – et cela prend à nouveau beaucoup de temps pour articuler cette idée de manière authentique et pertinente. La majeure partie d'entre nous n'est pas prête à attendre, à faire le travail, à passer le temps nécessaire, nous sommes paresseux et éventuellement effrayés par l'échec. Les artistes vraiment interéssants ont pris toute leur vie pour construire et reconstruire, à partir d'une ou deux authentiques idées de base. “ Rome ne s'est pas faite en un jour”.

 

Quand à ce qui concerne ma pratique, j'espère avoir le temps de construire quelque chose d'authentique, qui représente précisément mes idées. J'espère pouvoir me faire une place dans l'histoire de l'art – quelque chose qui me survivra dans l'histoire. J'espère pouvoir regarder en arrière, voir mon oeuvre et dire: “j'ai fait cette pyramide”, “c'est ma Rome” - j'espère que ce sentiment l'emportera sur n'importe quel sentiment de satisfaction instantanée. J'espère que je n'aurais pas peur de travailler comme une bête pour y arriver.

 

tPD: Avez-vous rencontré certains défis en présentant les oeuvres de façon non conventionnelle? Est-ce que la peinture porte toujours beaucoup d'attentes traditionnelles ?

LN: Il y a eu de nombreux artistes dans les 150 dernières années qui ont offert de puissantes alternatives à notre façon de comprendre et d'interagir avec la peinture, ces artistes étaient ou sont en rupture avec la tradition, sans pour autant essayer de la détruire. Brièvement, cette tradition nous dit que la peinture doit être accrochée au mur au niveau de l'oeil, être bien éclairée, encadrée et doit agir comme une fenêtre dans un autre monde - avoir une certaine qualité transportative/transcendantale. Ainsi la peinture devrait être soigneusement préservée puisque précieuse. Oui, ces expectations sont vivantes, bien portantes et habitent dans une forteresse!

Beaucoup de gens aiment mes peintures à un niveau basique – ils sont séduits par leur réalisme, par leur précision. Parfois, ne comprennant peut-être pas immédiatement pourquoi j'insiste pour les montrer de manière non conventionelle (horizontalement au sol, en partie ou complètement cachées, perpendiculaire à un mur), certains résistent contre ce mode d'exposition. Si quelque chose est bien fait, pourquoi voudrais-je compliquer leur point de vue? Le but des arts visuels n'est-il pas de pouvoir les voir et de les voir clairement? Beaucoup de gens veulent que mon travail soit décoratif, ils veulent que mon travail soit accrochée au dessus du canapé, ils veulent l'enlever du sol, l'encadrer, mieux le protéger des choses de la vie quotidienne ( comme le balai, les enfants, les animaux domestiques). Mais mon travail n'est pas décoratif, il peut-être beau mais il n'est pas décoratif - c'est là que le public est confus.

 

Mon travail référence la façon dont nous avons interagi avec l'art tout au long de l'histoire, notamment à travers le cadre du musée. Les musées nous ont appris comment exposer l'art, comment le regarder, le préserver et l'expliquer. C'est la “maison” historique de l'art et c'est dans ce cadre que ma peinture fonctionne le mieux ( c'est le lieu où prospère la tradition de la peinture: ce à quoi mon travail fait référence). La galerie est un lieu trompeur, sa façade est l'image d'un musée (un espace propre et neutre), mais éventuellement le but est de vendre les oeuvres que l'acheteur emmènera chez lui (qui souvent n'est pas un endroit propre et neutre). Cela rend mon travail difficile à vendre mais je ne veux pas changer mes concepts. Il faut assumer la responsabilité de son oeuvre, ce à quoi on donne le jour, et cela signifie donner suite à une idée même si l'on éprouve des doutes et de la résistance de la part des autres.